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Source: http://www.didatticarte.it/Blog/?feed=rss2

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<title>Didatticarte</title>
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<title>Claude Lorrain e il suo sistema anti-plagio</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Sun, 05 May 2024 15:24:58 +0000</pubDate>
<category><![CDATA[disegno]]></category>
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<description><![CDATA[Il celebre pittore creò una raccolta di disegni delle sue tele (il Liber Veritatis) per certificarne la paternità e smascherare le copie.
L'articolo <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=31823">Claude Lorrain e il suo sistema anti-plagio</a> sembra essere il primo su <a href="https://www.didatticarte.it/Blog">Didatticarte</a>.
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<content:encoded><![CDATA[È chiamato Liber Veritatis (Libro della verità) ed è un’opera assolutamente unica nel panorama della storia dell’arte: sto parlando della raccolta di 195 disegni creata dal celebre paesaggista Claude Lorrain (1600-1682) che contiene le riproduzioni di tutti i suoi dipinti, con tanto di numerazione progressiva, data, annotazione del committente e della sua provenienza e firma autografa dell’autore.
Per capire di cosa si tratta ecco un esempio. Il dipinto in alto, realizzato intorno al 1644, raffigura <a href="https://collections.louvre.fr/en/ark:/53355/cl010061024" target="_blank" rel="noopener">Ulisse che restituisce Criseide al padre</a>. Il disegno sottostante è la riproduzione che ne ha fatto lo stesso pittore per archiviarla nel suo registro.
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L’artista, nato in Francia ma attivo soprattutto a Roma come paesaggista, realizzò questo album dal 1635 al 1682, anno della sua scomparsa, con il preciso scopo di tutelare la paternità dei suoi dipinti, che già dagli anni Trenta erano oggetto di diffuse falsificazioni. Per questo, oltre ai disegni, c’erano degli indici con le liste di tutti i dipinti.
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Anche se potrebbero essere scambiati per bozzetti preparatori, i disegni della raccolta non sono nati prima dell’opera su tela ma subito dopo. Dunque non servivano a ideare la composizione ma a proteggere il “diritto d’autore”. 
In questo esempio possiamo confrontare il <a href="https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/claude-landscape-with-aeneas-at-delos" target="_blank" rel="noopener">Paesaggio con Enea a Delo</a> del 1672 (un luogo immaginario con un tempio ispirato al Pantheon) e il disegno dello stesso dipinto. In base ai dati inseriti sul libro, quest’opera sarebbe stata creata per un certo Monsieur Dupassy.
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Naturalmente, visto lo scopo, i disegni hanno dimensioni del tutto diverse dall’originale e in alcuni casi anche proporzioni leggermente differenti poiché dovevano entrare nei fogli da disegno.
Il dipinto sottostante, per esempio, misura 150 x 198 cm mentre la riproduzione solo 20 x 26 cm. La tela, che raffigura il <a href="https://www.doriapamphilj.it/portfolio/claude-lorrain/" target="_blank" rel="noopener">Matrimonio di Isacco e Rebecca</a>, è stata dipinta nel 1646 per Camillo Pamphilj.
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La raccolta venne lasciata in eredità da Lorrain alla figlia per passare poi nel Settecento a William Cavendish, secondo duca di Devonshire. Dopo lo smembramento dei fogli, il passaggio da un palazzo all’altro e la morte del nono duca, verrà ceduta allo stato inglese nel 1957 e conservata al <a href="https://www.britishmuseum.org/collection/search?keyword=Liber&keyword=Veritatis&agent=Claude%20Lorrain&image=true&view=grid&sort=object_name__asc&page=1" target="_blank" rel="noopener">British Museum di Londra</a>, dove si trova ancora oggi. Trattandosi di disegni su carta, dunque un materiale molto delicato e sensibile alla luce, i fogli non sono esposti.
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Il nome Liber Veritatis, che si riferisce all’autenticità dei dipinti, non fu dato però da Lorrain: era il titolo del libro che conteneva le stampe dei disegni creati da <a href="https://digitalcollections.nypl.org/collections/liber-veritatis-or-a-collection-of-prints-after-the-original-designs-of-claude#/?tab=about" target="_blank" rel="noopener">Richard Earlom</a> (1743-1822) tra il 1774 e il 1777. Quel titolo poi passò a indicare anche i disegni originali di Lorrain.
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Nelle stampe è stata utilizzata l’acquaforte per le linee che Lorrain aveva tracciato a penna e la mezzatinta per le zone campite con acquerelli. Ovviamente l’inchiostro è di un solo colore, per cui si è persa la bicromia con toni azzurri dei disegni originali.
Ecco come appare la stampa del primo dipinto dell’articolo, quello con Ulisse.
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In questa sequenza possiamo osservare il dipinto di Lorrain con<a href="https://collections.mfa.org/objects/31442/apollo-and-the-muses-on-mount-helicon?ctx=1ba63385-3f22-44ce-bcd2-4c0f17219608&idx=0" target="_blank" rel="noopener"> Apollo e le Muse sul monte Elicona</a> del 1680, il successivo <a href="https://www.britishmuseum.org/collection/object/P_1957-1214-199" target="_blank" rel="noopener">disegno</a> dello stesso autore e la <a href="https://digitalcollections.nypl.org/items/f2d96810-5199-0132-7363-58d385a7b928" target="_blank" rel="noopener">stampa</a> di Earlom. Come si può notare, dato che l’incisore non copiò i dipinti ma i disegni (che non erano riproduzioni fedelissime dei quadri), alcune piccole alterazioni hanno allontanato maggiormente la stampa dall’originale. Questo si può notare soprattutto sugli elementi più irregolari, come gli alberi.
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Queste stampe hanno avuto immediatamente una diffusione straordinaria, tanto che venivano usate dagli insegnanti di disegno come modelli da copiare e tanti paesaggisti, incluso Turner, impararono a comporre le loro inquadrature da Lorrain grazie a queste immagini. 
Un dipinto di <bdi>John Arthur Lomax </bdi>(1857-1923) testimonia in modo plateale questo fenomeno.
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Nel 1815 il Liber Veritatis fu ricopiato anche da Ludovico Caracciolo (1761-1842), un incisore italiano protetto da Elizabeth Foster, la seconda moglie del 5° duca del Devonshire. Anche in questo caso tra il dipinto originale e la stampa si possono notare evidenti differenze come in questo <a href="https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/claude-landscape-with-narcissus-and-echo" target="_blank" rel="noopener">Panorama con Narciso ed Eco</a> del 1640 a confronto con l’<a href="https://wallector.com/it/liber-veritatis-plate-2-94736.html" target="_blank" rel="noopener">incisione</a> di Caracciolo.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-31835" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/05/lorrain-caracciolo.jpg" alt="" width="800" height="1222" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/05/lorrain-caracciolo.jpg 800w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/05/lorrain-caracciolo-196x300.jpg 196w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/05/lorrain-caracciolo-670x1024.jpg 670w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/05/lorrain-caracciolo-768x1173.jpg 768w" sizes="(max-width: 800px) 100vw, 800px" />
Non ci è dato sapere se alla fine i disegni del Liber Veritatis abbiano effettivamente aiutato Lorrain a tutelare il suo lavoro dai tanti imitatori, ma quel che è certo è che hanno trasmesso a generazioni di artisti una concezione idealizzata del paesaggio che fa ancora parte del nostro modo di pensare la natura.
 
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<title>Il teleorama, un piccolo teatro tascabile</title>
<link>https://www.didatticarte.it/Blog/?p=30864</link>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Mon, 12 Feb 2024 15:58:13 +0000</pubDate>
<category><![CDATA[attività]]></category>
<category><![CDATA[creatività]]></category>
<category><![CDATA[percezione]]></category>
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<description><![CDATA[Ideato nel Settecento come riproduzione in scala di un teatro barocco, il teleorama si è diffuso come libro pieghevole da aprire e ammirare.
L'articolo <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=30864">Il teleorama, un piccolo teatro tascabile</a> sembra essere il primo su <a href="https://www.didatticarte.it/Blog">Didatticarte</a>.
]]></description>
<content:encoded><![CDATA[A prima vista sembra un libriccino qualsiasi. Potrebbe essere una guida di viaggio o un album illustrato.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30868" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-chiuso.jpg" alt="" width="900" height="714" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-chiuso.jpg 900w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-chiuso-300x238.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-chiuso-768x609.jpg 768w" sizes="(max-width: 900px) 100vw, 900px" />
Ma una volta preso in mano nasconde una sorpresa: guardando dentro il foro in copertina ed estendendo la retrostante struttura a fisarmonica, si può ammirare una scena in prospettiva con quinte che si restringono sul fondo, come in un minuscolo teatro.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30869" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-aperto.jpg" alt="" width="900" height="900" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-aperto.jpg 900w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-aperto-300x300.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-aperto-150x150.jpg 150w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-aperto-768x768.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-aperto-80x80.jpg 80w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-aperto-320x320.jpg 320w" sizes="(max-width: 900px) 100vw, 900px" />
È il teleorama, un dispositivo molto diffuso nell’Ottocento come oggetto di intrattenimento. Un gran numero di questi manufatti, riguardanti le vedute più disparate, è conservato al <a href="https://collections.vam.ac.uk/search/?images_exist=true&page=1&page_size=50&kw_object_type=Paper%20peepshow" target="_blank" rel="noopener">Victoria&Albert Museum</a> di Londra. Questo <a href="https://collections.vam.ac.uk/item/O1418242/teleorama-paper-peepshow-müller-heinrich-friedrich/" target="_blank" rel="noopener">teleorama</a> del 1825 mostra, per esempio, una scena galante tra i boschi.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30870" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-galante.jpg" alt="" width="1000" height="1286" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-galante.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-galante-233x300.jpg 233w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-galante-796x1024.jpg 796w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-galante-768x988.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Questo del 1862, invece, raffigura in 3D il <a href="https://collections.vam.ac.uk/item/O1418243/the-interior-of-the-new-paper-peepshow/" target="_blank" rel="noopener">Palazzo delle Mostre</a> di Londra.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30871" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-palazzo.jpg" alt="" width="1000" height="447" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-palazzo.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-palazzo-300x134.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-palazzo-768x343.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Ma qual è, esattamente, il funzionamento del teleorama? 
Tutto si basa sul meccanismo della prospettiva e in particolare sulla <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=2144" target="_blank" rel="noopener">prospettiva accelerata</a>, una tecnica usata da Bramante fin dalla fine del Quattrocento per la chiesa milanese di Santa Maria presso San Satiro, ripresa poi da Borromini per la galleria di Palazzo Spada a Roma e confluita infine nella scenotecnica teatrale.
In pratica se si crea una struttura a imbuto, i cui lati convergono verso il fondo, l’occhio percepisce una profondità maggiore di quella reale. Nel caso del teleorama la convergenza è ottenuta attraverso il ritaglio di cornici che lasciano al centro uno spazio vuoto via via più piccolo. Ovviamente anche gli elementi delle varie cornici, come figure umane o alberi, devono rimpicciolirsi progressivamente verso il fondo.
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Questo sistema riproduce esattamente la struttura in sequenza prospettica delle quinte del teatro barocco.
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Ciò che vedevano gli spettatori era simile al teatro che ancora oggi si può osservare nel <a href="https://castle.ckrumlov.cz/docs/en/zamek_oinf_sthrza.xml" target="_blank" rel="noopener">castello di Český Krumlov</a>, in Repubblica Ceca, uno dei meglio conservati al mondo.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter wp-image-30875 size-full" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/baroque-stage-1-cesky-krumlov-castle-czech-republic1.jpg" alt="" width="1000" height="747" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/baroque-stage-1-cesky-krumlov-castle-czech-republic1.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/baroque-stage-1-cesky-krumlov-castle-czech-republic1-300x224.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/baroque-stage-1-cesky-krumlov-castle-czech-republic1-768x574.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
In effetti, guardando bene dentro un teleorama, si possono vedere esattamente i vari livelli delle cornici. 
Questo del 1840, realizzato probabilmente per pubblicizzare l’urbanizzazione di <a href="https://collections.vam.ac.uk/item/O1388676/st-leonards-on-sea-sussex-paper-peepshow/" target="_blank" rel="noopener">St. Leonard on sea</a>, nel Sussex, è composto da cinque cornici, fondale incluso.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30877" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-paesaggio.jpg" alt="" width="1000" height="481" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-paesaggio.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-paesaggio-300x144.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/teleorama-paesaggio-768x369.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Il rapporto tra questi oggetti e il teatro barocco è molto più stretto di quanto non appaia: i primi esemplari, ideati nel 1730 dall’incisore tedesco Martin Engelbrecht (1684-1765), erano delle fedeli riproduzioni di apparati teatrali famosi, dei quali era così possibile conservare una memoria visiva. 
I suoi ‘diorami teatrali’ erano realizzati all’interno di lunghe scatole rigide, interamente in legno. Per vedere la prospettiva occorreva togliere il coperchio, così da far arrivare la luce in ogni scomparto.
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Le cornici intercambiabili, stampate su fogli da ritagliare, si inserivano in apposite fessure seguendo la sequenza indicata dai numeri.
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Per certi versi è un’evoluzione della <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=18729" target="_blank" rel="noopener">scatola prospettica</a>, con la differenza che il diorama teatrale presenta una profondità spaziale molto più accentuata. Ecco come appare un diorama di Engelbrecht a sei fogli.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30880" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/engelbrecht.jpg" alt="" width="1000" height="767" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/engelbrecht.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/engelbrecht-300x230.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/engelbrecht-768x589.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
A questo punto mi pare obbligatorio provare a farne uno. Possiamo provare con una lunga scatola di cartone o con la tecnica a fisarmonica. L’ispirazione non manca: basta cercare in rete paper peepshow per trovare una marea di esemplari. 
Questo, ad esempio, è a doppia visione: dal foro superiore si vede la superficie del Tamigi mentre dal foro inferiore il tunnel sotterraneo (stesso soggetto del primo teleorama dell’articolo).
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Sul sito del Victoria&Albert Museum c’è un’<a href="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/02/VA-Peepshow-Download-FINAL.pdf" target="_blank" rel="noopener">apposita guida</a> per creare un paesaggio in più strati.
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Ma nulla vieta di trasformare in un teleorama anche un dipinto. Basta scegliere un’opera che si presti ad essere separata in livelli, ad esempio certe foreste di Henri Rousseau, e creare la doppia fisarmonica laterale.
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Le possibilità sono pressoché infinite. Quello che potrebbe scarseggiare, invece, è sempre e solo il tempo!
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<title>Il compleanno dei pittori</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Mon, 15 Jan 2024 16:35:22 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Cercare i pittori nati nella data del giorno è un buon esercizio per scoprire autori sconosciuti ma talentuosi e lavorare sulle loro opere.
L'articolo <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=30449">Il compleanno dei pittori</a> sembra essere il primo su <a href="https://www.didatticarte.it/Blog">Didatticarte</a>.
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<content:encoded><![CDATA[Non è una mia idea, naturalmente. Lo fanno in tanti e da tanto tempo, in rete e sui social, di ricordare giorno per giorno il compleanno di un artista del passato, più o meno famoso, pubblicando una selezione delle sue opere. 
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30451" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-4.jpg" alt="" width="1000" height="653" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-4.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-4-300x196.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-4-768x502.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Ma come fare a conoscere queste date? La cosa più ovvia è cercare l’artista che ci interessa, anche semplicemente su Wikipedia, e annotare la sua data di nascita (e magari anche quella di morte per ricordare eventuali anniversari importanti). Ma non è un’opzione utile per conoscere i nati del giorno, a meno di non aver scandagliato una quantità smisurata di autori tale da coprire ogni data dell’anno.
Io avevo cominciato a fare questa operazione con una tabella aggiungendo via via le date ogni volta che per altri motivi approfondivo la vita di un artista. La tabella è consultabile a <a href="https://docs.google.com/spreadsheets/d/1Vrl5xQN3btUGDNpHvvXnWBHmAd12biI54Hs_aKyp_Bg/edit?usp=sharing">questo indirizzo</a> ed è continuamente aggiornata. Ma, come vedete, molti giorni sono ancora scoperti.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30450" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-1.jpg" alt="" width="1000" height="503" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-1.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-1-300x151.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-1-768x386.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Allora occorre procedere in maniera inversa. Io agisco così: scelgo una data, ad esempio il 13 gennaio, e cerco sul motore di ricerca “nati 13 gennaio”. La prima occorrenza è generalmente una pagina di Wikipedia come questa.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30452" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-2.jpg" alt="" width="1000" height="277" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-2.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-2-300x83.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-2-768x213.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Apriamo la pagina. Comparirà un elenco diviso per secoli come quello qui sotto (è solo la prima parte). Se apriamo la pagina sullo smartphone i secoli sono ‘compressi’ e vanno aperti per poter visualizzare tutti i nomi contenuti.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30453" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-3.jpg" alt="" width="1000" height="516" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-3.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-3-300x155.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-3-768x396.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Ovviamente non ci metteremo a leggerli uno per uno per trovare gli artisti che ci interessano. Basta usare la funzione di ricerca di una parola all’interno di una pagina e cioè i tasti ctrl e F (su Mac è command F).
 Su dispositivo mobile basta cercare l’apposita funzione del browser. Su Chrome, ad esempio, occorre premere i puntini in basso a destra e selezionare “trova nella pagina”. Su Safari, invece occorre andare al simbolo di condivisione, in basso al centro, e scorrere le funzioni fino a “trova nella pagina”.
Proveremo dunque a inserire la parola “pittore“. Il sistema evidenzierà tutte le occorrenze di quella parola nella pagina. Per leggerle basta premere il tasto invio più volte o scorrere i nomi usando le freccette che compaiono nella barra di ricerca.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30454" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-5.jpg" alt="" width="1000" height="777" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-5.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-5-300x233.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-5-768x597.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
La ricerca va ripetuta per tutte le tipologie di artisti che vogliamo trovare. Dunque riproviamo anche con “pittrice“, per trovare le donne nate quel giorno.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30455" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-6.jpg" alt="" width="1000" height="507" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-6.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-6-300x152.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-6-768x389.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Successivamente possiamo cercare scultore, incisore, architetto, illustratore e così via. Allo stesso modo possiamo cercare su Internet “morti 13 gennaio” o in qualsiasi altra data, e cercare tutti gli artisti deceduti in quel tale giorno.
E dopo aver trovato i nomi degli artisti cosa fare? Io in genere ne scelgo uno che mi interessa proporre su Facebook, spesso non celebre, perché quelli famosi li ricordano già tante altre pagine. Il 13 gennaio, ad esempio, ho scelto la veneziana Emma Ciardi.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30456" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-7.jpg" alt="" width="1000" height="761" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-7.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-7-300x228.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-7-768x584.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Cercando online la sua produzione artistica (soprattutto vedute di Venezia) ho messo assieme un post commemorativo capace di restituire a colpo d’occhio il suo caratteristico linguaggio.
Sul metodo per realizzare queste composizioni di immagini ho scritto l’articolo <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=13869" target="_blank" rel="noopener">Scoprire l’arte con il fotocollage</a>.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-large wp-image-30457" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-8-861x1024.jpg" alt="" width="861" height="1024" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-8-861x1024.jpg 861w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-8-252x300.jpg 252w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-8-768x914.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-8.jpg 1000w" sizes="(max-width: 861px) 100vw, 861px" />
La cosa che mi meraviglia di questa attività che faccio quasi quotidianamente è che della trentina/quarantina di nomi che escono fuori, la maggior parte non li ho mai sentiti nominare! Eppure andando a vedere la loro produzione si scopre che si tratta di artisti di grande talento che però, per motivi molto complessi, non godono oggi di notorietà.
Ecco tutti quelli nati il 13 gennaio. Di questi conoscevo bene giusto Chaïm Soutine, per la sua fama, Giuseppe Abbati per la sua appartenenza ai Macchiaioli, e Antonietta Brandeis ed Emma Ciardi perché mi sono interessata alle loro vedute veneziane.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30460" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-9.jpg" alt="" width="1000" height="1370" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-9.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-9-219x300.jpg 219w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-9-768x1052.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-9-747x1024.jpg 747w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Ma andiamo a vederne qualcuno a caso, ad esempio il primo pittore, l’olandese Jan van Goyen. Nato a Leida , è stato un valente e stimato paesaggista, autore di oltre mille dipinti. Questo è un suo quadro del 1642 con un mulino presso un fiume.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30461" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Goyen_1642_A_Windmill_by_a_River.jpeg" alt="" width="956" height="768" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Goyen_1642_A_Windmill_by_a_River.jpeg 956w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Goyen_1642_A_Windmill_by_a_River-300x241.jpeg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Goyen_1642_A_Windmill_by_a_River-768x617.jpeg 768w" sizes="(max-width: 956px) 100vw, 956px" />
Prendiamo poi lo scultore italiano Giovanni De Martino, autore verista specializzato negli scugnizzi napoletani. I suoi piccoli bronzi gli valsero il premio del Salon di Parigi del 1900 col Pescatore di granchi.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30462" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-10.jpg" alt="" width="1000" height="581" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-10.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-10-300x174.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/compleanni-calendario-10-768x446.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Insomma, spulciare uno per uno gli artisti del giorno equivale a immergersi in un mondo parallelo, che non è presente sui normali libri di storia dell’arte e che ci fa capire che quelli che si studiano a scuola, i nomi grossi, ingombranti, oserei dire, sono solo una piccolissima parte, una punta di iceberg.
<div id="attachment_30464" style="width: 833px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" aria-describedby="caption-attachment-30464" class="size-full wp-image-30464" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Henry_Meynell_Rheam_-_The_Fairy_Wood.jpg" alt="" width="823" height="768" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Henry_Meynell_Rheam_-_The_Fairy_Wood.jpg 823w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Henry_Meynell_Rheam_-_The_Fairy_Wood-300x280.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Henry_Meynell_Rheam_-_The_Fairy_Wood-768x717.jpg 768w" sizes="(max-width: 823px) 100vw, 823px" />Henry Meynell Rheam, Il bosco incantato, 1903</div>
Dunque, anche se la storia dell’arte privilegia di secolo in secolo un luogo diverso, da Firenze a Roma, da Milano a Parigi, questo non significa che altrove non ci fossero artisti validi, solo che probabilmente non hanno prodotto una svolta artistica oppure non li conosciamo abbastanza per coglierne la portata.
<div id="attachment_30465" style="width: 944px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" aria-describedby="caption-attachment-30465" class="size-full wp-image-30465" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Vladimir_Davidovich_Baranov_Rossin_-_Samovar_1919_-_MeisterDrucke-734343.jpg" alt="" width="934" height="1024" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Vladimir_Davidovich_Baranov_Rossin_-_Samovar_1919_-_MeisterDrucke-734343.jpg 934w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Vladimir_Davidovich_Baranov_Rossin_-_Samovar_1919_-_MeisterDrucke-734343-274x300.jpg 274w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Vladimir_Davidovich_Baranov_Rossin_-_Samovar_1919_-_MeisterDrucke-734343-768x842.jpg 768w" sizes="(max-width: 934px) 100vw, 934px" />Vladimir Baranov-Rossine, Samovar, 1919</div>
Un’altra lezione che si può apprendere da questa ricerca quotidiana riguarda le artiste. È evidente che sono in numero nettamente inferiore rispetto ai colleghi maschi ma è altrettanto evidente che sono molte di più di ciò che normalmente si immagina e spesso molto apprezzate nella loro carriera.
Purtroppo però vivono oggi una doppia discriminazione, quella di non essere ritenute importanti e quella di non chiamarsi Frida o Artemisia…
<div id="attachment_30466" style="width: 817px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" aria-describedby="caption-attachment-30466" class="size-full wp-image-30466" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Lilla_Cabot_Perry_Self-portrait_1889-1896_Terra_Foundation_for_American_Art.jpeg" alt="" width="807" height="1024" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Lilla_Cabot_Perry_Self-portrait_1889-1896_Terra_Foundation_for_American_Art.jpeg 807w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Lilla_Cabot_Perry_Self-portrait_1889-1896_Terra_Foundation_for_American_Art-236x300.jpeg 236w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/Lilla_Cabot_Perry_Self-portrait_1889-1896_Terra_Foundation_for_American_Art-768x975.jpeg 768w" sizes="(max-width: 807px) 100vw, 807px" />Lilla Cabot Perry, Autoritratto, 1889-1896</div>
Questa attività può risultare molto efficace a scuola anche per altri piccoli esercizi, oltre alla creazione del fotocollage. Ad esempio: prendere un autore nato nel periodo che si sta studiando (per esempio per il Seicento/Settecento potremmo scegliere da questo elenco di nati il 13 gennaio il pittore Ilario Spolverini) e individuare nelle sue opere i tratti caratteristici del periodo artistico a cui appartiene.
<div id="attachment_30467" style="width: 1010px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" aria-describedby="caption-attachment-30467" class="size-full wp-image-30467" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/polverini.jpg" alt="" width="1000" height="513" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/polverini.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/polverini-300x154.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/polverini-768x394.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />Ilario Polverini, Giosuè ferma il Sole, 1721-1727</div>
Oppure, dopo aver osservato la produzione artistica, si può scrivere una chiave di lettura capace di spiegare in poche parole l’essenza dell’autore. Per esempio per Edmond Louis Dupain, autore dei dipinti che vedete qui sotto, io direi “Pittore francese del secondo Ottocento specializzato nel raffigurare la grazia e l’eleganza delle ragazze del suo tempo (ma anche dei levrieri), soavemente immerse nella natura“.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30468" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/dupain.jpg" alt="" width="1000" height="430" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/dupain.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/dupain-300x129.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/dupain-768x330.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Bene, un altro dei miei passatempi ve l’ho raccontato. Spero che risulti appassionante anche per voi!
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<title>Antiche mappe urbane in forma interattiva</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Tue, 09 Jan 2024 15:45:46 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Rendere interattive le mappe antiche sviluppa la consapevolezza dell'impatto dell'uomo sul territorio e dell'effetto della modernità sui tessuti antichi.
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<content:encoded><![CDATA[Nel corso di una ricerca sulle immagini antiche di <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?page_id=24706" target="_blank" rel="noopener">Ponte Vecchio</a> mi sono imbattuta in un’antica mappa di Firenze del 1495, una veduta a volo d’uccello attribuita a Francesco Rosselli, con l’individuazione dei monumenti riconoscibili ancora oggi, segnalati da punti interattivi.
È questa che vedete qui sotto, ma per poterla esplorare dovete andare sul sito del <a href="https://www.vam.ac.uk/articles/donatellos-florence/" target="_blank" rel="noopener">Victoria & Albert Museum</a>.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30343" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/firenze-interattiva.jpg" alt="" width="1000" height="664" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/firenze-interattiva.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/firenze-interattiva-300x199.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/firenze-interattiva-768x510.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
<div style="width: 100%;">
Ovviamente mi ha acceso immediatamente un mare di lampadine, anzi un’intera luminaria! Creare a scuola mappe del genere, partendo da antiche vedute della città, sarebbe un’attività didattica intrigante ed efficace.
In verità, sulla nuova edizione di <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=25665" target="_blank" rel="noopener">Artemondo</a>, avevo già ipotizzato alcuni esercizi del genere ma il compito si fermava al confronto della mappa antica con le viste attuali di <a href="https://earth.google.com/web/search/firenze/@43.77995815,11.2409679,47.38763396a,31125.27059057d,35y,0h,0t,0r/data=CigiJgokCdNbgSniK0ZAEdJbgSniK0bAGbS1sI1Dhj5AIQCcfmZRHFXAOgMKATA" target="_blank" rel="noopener">Google Earth</a> e alla risposta ad alcune domande: riesci a riconoscere i monumenti del dipinto? esistono ancora le mura di cinta? quanto si è estesa oggi la città? Dove si è messo l’autore per osservare questo panorama? ti sembra che abbia rispettato le proporzioni dei vari elementi?
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-large wp-image-30347" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/unnamed-6-1024x517.jpg" alt="" width="1024" height="517" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/unnamed-6-1024x517.jpg 1024w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/unnamed-6-300x152.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/unnamed-6-768x388.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/unnamed-6.jpg 1200w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" />
Rendere esplorabili e interattive queste antiche vedute è un passo ulteriore, che può portare alla creazione di materiali utili anche per la divulgazione e per l’educazione al patrimonio.
Ma come si procede? Vediamo di fare un esempio con la <a href="https://www.europeana.eu/it/item/332/BVE0704478" target="_blank" rel="noopener">mappa di Roma antica</a> redatta da Giacomo Lauro tra il 1612 e il 1650.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30344" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/mappa-roma-giusti.jpg" alt="" width="1000" height="679" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/mappa-roma-giusti.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/mappa-roma-giusti-300x204.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/mappa-roma-giusti-768x521.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Ho ritagliato solo la parte centrale e l’ho caricata su <a href="https://genial.ly/it/" target="_blank" rel="noopener">Genially</a>, una piattaforma che, tra le tante, consente di realizzare immagini interattive (ma si possono usare anche <a href="https://www.thinglink.com/" target="_blank" rel="noopener">ThingLink</a>, <a href="https://interactive-img.com/" target="_blank" rel="noopener">Interactive Images</a> e tanti altri).
Poi ho aperto <a href="https://www.google.com/maps/@41.8936782,12.4781374,10963a,35y,90h/data=!3m1!1e3?entry=ttu" target="_blank" rel="noopener">GoogleMaps</a> e ho cercato Roma. A quel punto mi sono accorta che la planimetria di Lauro ha il Nord a sinistra e quindi ho ruotato la vista digitale per farla ‘coincidere’ con la mappa antica.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-30345" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/roma-googlemap.jpg" alt="" width="1000" height="970" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/roma-googlemap.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/roma-googlemap-300x291.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2024/01/roma-googlemap-768x745.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
A questo punto ho cercato i monumenti più famosi: il Colosseo, il Pantheon, la Colonna Traiana, il Circo Massimo etc. In effetti sui bordi della mappa c’è già l’elenco dei monumenti di Roma Antica, individuati da piccoli numeri. Ma la loro denominazione non corrisponde sempre a quella attuale (ad esempio l’anfiteatro Flavio è etichettato come Amphiteatrum Vespasianum) per cui occorre sempre fare il controllo su GoogleMap.
Una volta fissato con certezza il segnaposto, lo si può rendere interattivo aggiungendo altri contenuti: nel mio caso ho messo solo nome e foto attuale, ma si può aggiungere un testo esplicativo (come nella mappa di Firenze che ho presentato sopra), un video, un audio o un link esterno.
A quel punto la mappa è pronta. Può essere resa pubblica e anche inserita dentro altre pagine. La mia è quella qui sotto. In rosso ho segnato i monumenti ancora esistenti. In blu quelli ormai scomparsi (ma se ne possono indicare ancora decine e decine).
<div style="position: relative; padding-bottom: 75.29%; padding-top: 0; height: 0;"><iframe loading="lazy" style="position: absolute; top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%;" title="Roma Antica" src="https://view.genial.ly/659c29ae04e7210014e9cbfd" width="1198" height="902" frameborder="0" scrolling="yes" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></div>
<div></div>
</div>
 
Si tratta di un’attività diversa da quella delle <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=10338" target="_blank" rel="noopener">mappe di viaggio</a> o delle <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?page_id=12676" target="_blank" rel="noopener">mappe tematiche interattive</a>. In quelle la base è una planimetria contemporanea. Usare come base una mappa antica vuol dire, invece, fare un’operazione di indagine, confronto e riconoscimento che richiede pazienza e spirito d’osservazione. Non solo: il confronto tra la città antica e quella odierna può sviluppare la consapevolezza dell’impatto delle collettività sul territorio ma anche dell’effetto della modernità sui tessuti antichi. Dunque un’attività perfetta nei percorsi di educazione civica.
Per rendercene conto proviamo con un altro esempio. Questa è una mappa di Palermo del 1588 realizzata da <a href="https://www.cartahistorica.com/our-catalogue/europe/italy/palermo/#" target="_blank" rel="noopener">Georg Braun and Frans Hogenberg</a>. La città è come si presentava prima del taglio della via Maqueda, ortogonale al Càssaro (la strada che attraversa il centro storico longitudinalmente) e della creazione, all’incrocio, dello spazio circolare di piazza Villena (i famosi Quattro Canti).
<div style="width: 100%;">
<div style="position: relative; padding-bottom: 127.33%; padding-top: 0; height: 0;"><iframe loading="lazy" style="position: absolute; top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%;" title="Palermo alla fine del Cinquecento" src="https://view.genial.ly/659d56ccb3c6a2001452bcbb" width="955" height="1216" frameborder="0" scrolling="yes" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></div>
</div>
 
In questa fase, sostanzialmente, i maggiori monumenti sono quelli normanni ma la città è già cinta dalle mura cinquecentesche. Il Castello a mare è una imponente fortezza murata e la Cala è l’unico porto.
Individuare i monumenti in una mappa del genere non è però l’unica difficoltà di questo esercizio. La prima è trovare mappe antiche delle città che ci interessano, con una buona risoluzione. I siti che consiglio sono questi:
<ul>
<li><a href="https://geoportale.cittametropolitanaroma.it/cartografia-storica/20" target="_blank" rel="noopener">Geoportale Cartografico della città di Roma </a></li>
<li><a href="https://www.oldmapsonline.org/" target="_blank" rel="noopener">Old Maps Online</a></li>
<li><a href="https://www.davidrumsey.com" target="_blank" rel="noopener">David Rumsey Map Collection</a></li>
<li><a href="https://maps.arcanum.com/en/" target="_blank" rel="noopener">Arcanum maps</a></li>
</ul>
Tutto il resto si può cercare in rete, ricordando che le ricerche più fruttuose sono quelle fatte in inglese. 
Buon lavoro!
 
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<title>Fisica e arte: la rifrazione nei dipinti di Matisse</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Tue, 05 Dec 2023 11:05:32 +0000</pubDate>
<category><![CDATA[arte e scienza]]></category>
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<description><![CDATA[I dipinti con i pesci rossi di Matisse rivelano la sua capacità di osservare con attenzione i fenomeni della visione, come la rifrazione, nonostante uno stile sintetico e quasi astratto.
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]]></description>
<content:encoded><![CDATA[Quella di Matisse per i pesci rossi era una vera ossessione, una mania nata durante un viaggio a Tangeri, in Marocco, che l’artista e la moglie Amélie fecero nel gennaio del 1912.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-29827" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/12/image-9.jpeg" alt="" width="1000" height="837" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/12/image-9.jpeg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/12/image-9-300x251.jpeg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/12/image-9-768x643.jpeg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
In quella città, per lui così esotica, il pittore vide molti abitanti del luogo passare intere ore sdraiati a fantasticare, osservando incantati il pigro moto dei pesci rossi nelle loro bocce di vetro. Da quel momento i pesci rossi iniziarono a incarnare per lui la serenità, la contemplazione e il senso di un paradiso ormai perduto. Non stupisce, dunque, che compaiano in almeno quindici opere, tra dipinti e stampe.
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Si tratta tuttavia di un soggetto inconsueto: i pesci rossi, introdotti in Europa dall’estremo Oriente nel XVII secolo, come ho raccontato in <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=14867" target="_blank" rel="noopener">questo articolo</a>, raramente venivano raffigurati in pittura. Matisse, invece, li rende spesso protagonisti assoluti dell’opera, come nella grande tela dipinta nella primavera del 1912 intitolata proprio Pesci rossi.
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Qui, al centro della composizione, campeggia una vasca cilindrica con quattro pesci posata su un tavolino rotondo. Tutto intorno ci sono le piante e i mobili del giardino d’inverno della casa a Issy-les-Moulinaux, nella periferia di Parigi, dove Matisse si era rifugiato per allontanarsi dalla frenesia della capitale.
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La prospettiva appare volutamente deformata: il tavolino sembra visto dall’alto mentre la vasca è vista più lateralmente. Eppure questo non disturba l’armonia della scena, dominata dai quattro pesci rossi. Questi attirano immediatamente l’attenzione anche perché Matisse ha scelto di affiancare al colore rosso il suo <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=4108" target="_blank" rel="noopener">complementare</a>, cioè il verde, ottenendo l’effetto di “accendere” maggiormente il rosso.
Questo espediente, che l’artista sfrutterà in tutta la sua carriera, derivava dall’esperienza fatta in seno ai <a href="https://www.didatticarte.it/storiadellarte/17%20fauves.pdf" target="_blank" rel="noopener">Fauves</a>, il gruppo di artisti francesi che nel 1905 rivoluzionò la pittura usando il colore in modo violento e innaturale, guadagnandosi per questo il soprannome di “belve” (in francese fauves).
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Tuttavia nell’arte di Matisse non c’era nulla di aggressivo: «Quello che sogno – scriveva il pittore nel 1908 – è un’arte dell’equilibrio, della purezza e della serenità, priva di argomenti preoccupanti o deprimenti, un’arte che potrebbe essere […] un calmante, un potere calmante sulla mente, qualcosa come una buona poltrona che fornisce relax dalla fatica». Nella raffigurazione dei pesci rossi troverà proprio questo: l’essenza della semplicità e della tranquillità.
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Poco tempo dopo i pesci rossi tornano in un dipinto quasi astratto, un ricordo onirico del Café Maure di Tangeri. La scena è un campo turchese in cui l’unico riferimento spaziale è una sequenza di archi a ferro di cavallo, sullo sfondo. 
Delle sei figure sedute o sdraiate sul pavimento si distingue solo il tono ambrato del volto e degli arti, ripreso anche dalla cornice perimetrale. In basso, per terra, una boccia sferica con due pesci rossi. Stavolta la loro presenza non è particolarmente evidente ma restano comunque il fulcro del dipinto, l’elemento attorno a cui ruota la vita lenta e meditativa dei marocchini, tanto invidiata da Matisse.
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L’acquario è di nuovo protagonista assoluto in un’altra tela dell’inizio degli anni Venti: La boccia dei pesci rossi. La scena è dipinta nell’appartamento di Matisse, al terzo piano di Place Félix 1, a Nizza. Attorno alla boccia, che poggia su una cassettiera bianca dalle forme ondulate, pochi oggetti: alcuni frutti, un barattolo, un giornale ripiegato e una bottiglia. Sullo sfondo la carta da parati con motivi floreali e l’angolo di un dipinto con due figure sdraiate.
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Nonostante la stilizzazione degli elementi, la scena ha una maggiore concretezza rispetto alle opere precedenti grazie all’ombra che i vari oggetti proiettano sul piano orizzontale e alla generale coerenza della prospettiva. Resta comunque quel senso di silenziosa beatitudine, di incanto ipnotico, creato dai quattro pesci rossi.
C’è tuttavia un indizio, anzi due, che ci inducono a pensare che, al di là dei significati simbolici, la ricerca sui pesci rossi e in generale sui contenitori pieni d’acqua, fosse per Matisse anche una forma di esplorazione dei meccanismi segreti della visione umana. Mi riferisco a quella macchia bruna sul lato destro della bottiglia e a quella arancione sulla superficie dell’acqua contenuta nella boccia.
Nel primo caso si tratta della carta da parati della parete retrostante che appare riflessa rispetto alla posizione reale per via della rifrazione che avviene dentro il liquido. Nel secondo caso, non si tratta di un quinto pesce a pelo d’acqua ma di uno dei quattro sottostanti che però, – anche stavolta per via della rifrazione – risulta visibile anche in superficie. Questo effetto è ancora più evidente nei Pesci rossi del 1912: in quel dipinto tutti e quattro i pesci appaiono due volte, in posizioni che però non sono quelle corrispondenti alla loro reale collocazione nell’acqua.
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Vediamo come funziona questo fenomeno. La rifrazione avviene nel passaggio di un raggio luminoso da un mezzo a minore densità (come l’aria) a uno a maggiore densità (come il vetro o l’acqua) e viceversa e consiste nella deviazione del raggio luminoso dalla sua normale traiettoria rettilinea. 
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Quando il raggio passa da un corpo meno denso a uno più denso si assiste a un avvicinamento alla linea perpendicolare alla superficie. L’angolo di rifrazione θ1 è quindi minore di quello d’incidenza θ2. Si ha un allontanamento dalla verticale se il raggio, invece, passa da un corpo più denso a uno meno denso (l’angolo di rifrazione θ1 è maggiore dell’angolo d’incidenza θ2).
La legge che lega l’angolo di rifrazione all’angolo di incidenza è nota come legge di Snell, dal nome dello scienziato olandese Willebrord Snell van Royen che la formulò nel 1621. Questa legge afferma che il rapporto tra il seno dell’angolo di incidenza e il seno dell’angolo di rifrazione è pari al rapporto tra l’indice di rifrazione del secondo mezzo e l’indice di rifrazione del primo.
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Se l’angolo di incidenza è di 0° (dunque il raggio è perpendicolare alla superficie) il suo seno sarà anch’esso pari a 0, dunque risulterà nullo anche l’angolo di rifrazione. Ne consegue che un raggio luminoso che entra o esce dall’acqua in direzione perpendicolare, non subisce nessuna deviazione. In tutti gli altri casi si avrà una rifrazione più o meno evidente in base all’angolo di incidenza.
Il caso della boccia di Matisse è il secondo dello schema in alto: la “sorgente luminosa” infatti è costituita dal corpo dei pesci che rinvia verso il nostro occhio raggi di luce rossa. Questi raggi, che i pesci inviano in tutte le direzioni, si piegano in corrispondenza delle superfici di separazione tra acqua e aria, sia superiormente che sul lato verticale della vasca. 
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Accade allora che per via della rifrazione giungano al nostro occhio sia i raggi emessi verso il pelo dell’acqua sia quelli inviati verso il lato della vasca. Per questo motivo ciascun pesce viene visto due volte in posizioni che però sono solo “virtuali“, perché corrispondono all’origine del raggio luminoso se questo non fosse stato deviato. La reale posizione del pesce dentro l’acqua è una via di mezzo, ma non può essere percepita.
Quanto al ribaltamento della decorazione della carta da parati che si osserva sulla bottiglia nel dipinto del 1921, questo è dovuto a una doppia rifrazione, simile a quella che avviene in una lente biconvessa (come la lente di ingrandimento che concentra i raggi solari e innesca il fuoco…).
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I raggi luminosi emessi dall’oggetto, posto dietro la bottiglia, vengono rifratti una prima volta passando dall’aria al liquido. Data la convessità della superficie, i due raggi che prima erano paralleli, iniziano a convergere (sebbene l’angolo di rifrazione sia comunque minore di quello di incidenza). Questa convergenza aumenta per via della seconda rifrazione, in uscita dalla bottiglia, al punto che i raggi si incrociano ancora prima di arrivare all’occhio umano. Per questo motivo l’oggetto che sta dietro la bottiglia apparirà ribaltato in senso orizzontale.
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Non sappiamo se Matisse conoscesse le regole fisiche di questi meccanismi dell’ottica geometrica, ma il fatto che li abbia rappresentati intenzionalmente, nonostante il suo stile rapido e sintetico, è estremamente significativo. 
D’altra parte non aveva mai rigettato la concezione di arte come rappresentazione del reale. Secondo Matisse «Un artista deve riconoscere, quando ragiona, che il suo quadro è un artificio, ma quando dipinge, dovrebbe sentire di aver copiato la natura. E anche quando si discosta dalla natura, deve farlo con la convinzione che è solo per interpretarla più pienamente».
 
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<title>Diciassette artisti (+1) e un ventaglio</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Sat, 28 Oct 2023 14:28:43 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Per farne dono al loro maestro di pittura, diciassette artisti norvegesi di fine Ottocento hanno dipinto ciascuno una stecca per creare un'opera collettiva.
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<content:encoded><![CDATA[Non mi ero mai imbattuta in nulla di simile. E per questo mi ero ripromessa di raccontarlo qui sul blog.
È un oggetto esposto al <a href="https://www.nasjonalmuseet.no/en/" target="_blank" rel="noopener">Museo Nazionale per l’arte, l’architettura e il Design</a> di Oslo, assieme a migliaia di altri manufatti altrettanto affascinanti. Ma questo meritava un piccolo approfondimento, quanto meno per la sua originalità.
Sto parlando di un <a href="https://www.nasjonalmuseet.no/en/collection/object/NG.M.04483" target="_blank" rel="noopener">ventaglio dipinto</a>. Non uno di quelli di stoffa, pensati per stare in mano a una signora: quello che ho visto è tutto in legno ed è formato da 17 dipinti autonomi realizzati da quindici pittori e due pittrici norvegesi, tutti allievi di <a href="https://it.wikipedia.org/wiki/Knud_Bergslien" target="_blank" rel="noopener">Knud Bergslien</a>.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-29440" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/10/ventaglio-dartista.jpeg" alt="" width="1000" height="556" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/10/ventaglio-dartista.jpeg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/10/ventaglio-dartista-300x167.jpeg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/10/ventaglio-dartista-768x427.jpeg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Quest’opera collettiva è stata pensata proprio per essere donata all’anziano maestro, direttore di una rinomata scuola di pittura dal 1870 al 1900 (frequentata, tra gli altri, anche da Edvard Munch), in occasione dell’anniversario del 1898.
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Ciascun artista ha dipinto una stecca a olio con un paesaggio, un ritratto o una scena di vita rurale. L’effetto è molto vario, sia per le tinte utilizzate che per i soggetti. Tuttavia l’insieme è unificato dall’elemento centrale di snodo, un pavone con la coda aperta.
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Trovo molto interessante che anche l’orientamento della propria immagine sia stato scelto liberamente dai pittori: qualcuno ha deciso di tenere conto della posizione della propria stecca nel ventaglio aperto e ha orientato di conseguenza la scena (come nei primi quattro paesaggi da sinistra) mentre altri hanno scelto di usare come orizzonte della veduta, l’asse longitudinale della stecca. Altri ancora hanno dipinto ponendo la stecca in verticale, specialmente per le figure umane.
Vediamo rapidamente i vari elementi partendo da sinistra. L’elenco ordinato degli autori è leggibile nella didascalia del museo.
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La prima, dunque, è di Otto Sinding. Si tratta di una marina con montagne innevate sullo sfondo, probabilmente un fiordo norvegese.
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La scelta non meraviglia visto che Sinding era specializzato in paesaggi costieri, specialmente delle isole Lofoten.
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È un paesaggista anche il secondo autore, Amaldus Nielsen. Il suo stile però è più lirico e ricorda il linguaggio dei pittori romantici tedeschi.
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Il terzo pittore, Christian Skredsvig, ha scelto invece una scena più pittoresca: un laghetto con due mucche che si abbeverano, il prato e i riflessi delle nuvole sull’acqua. D’altra parte questo è il suo soggetto preferito, come si evince dalla sua produzione.
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La stecca successiva è del ben più noto Christian Krogh, pittore cosmopolita dedito alla rappresentazione dei ceti sociali più bassi e di scene di vita quotidiana che influenzerà anche l’arte di Munch. Naturalmente il suo contributo è una figura umana e in particolare un pescatore.
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Gustav Lærum è l’autore della quinta stecca. Lui era prevalentemente un illustratore, ma in questo caso ha dipinto a olio un piccolo ritratto, probabilmente la figura di Axel Heiberg, diplomatico norvegese e munifico mecenate delle arti e delle scienze.
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La sesta stecca è stata dipinta da Gerhard Munthe con una scena di vita rurale, un tema frequente nella produzione di questo pittore e illustratore.
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L’autore della settima stecca è Hans Gude, pittore paesaggista che, per l’orizzonte marino della sua scena, sceglie di riferirsi alla posizione del ventaglio aperto. Bella la scelta di far inclinare il veliero per via del vento nel senso della stecca.
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Con Hans Heyerdahl si torna alla figura umana. Non ci è dato sapere chi sia il giovane ritratto nella sua stecca, ma potrebbe essere un autoritratto vista la somiglianza del taglio degli occhi con altri autoritratti del pittore.
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La stecca seguente, la nona del ventaglio, è opera di Carl Fredrik Sundt-Hansen. Come nell’opera di Munthe anche qui c’è una scena di genere: una ragazzina in abiti tradizionali appoggiata al fianco di una casa di legno. L’autore è ricordato proprio per questo genere detto “nazionalista-romantico”, con cui ha raccontato la vita del popolo.
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La decima stecca, dipinta da Fredrik Kolstø, è un omaggio al destinatario del ventaglio: il ritratto di Knud Bergslien, dal caratteristico baffone bianco. L’autore è un pittore realista che si è occupato prevalentemente di ritratti e paesaggi.
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Anche la stecca successiva contiene un ritratto. Stavolta si tratta dell’esploratore e scienziato Fridtjof Nansen (premio Nobel per la pace nel 1922), dipinto da Jacob Bratland. Nansen era già famoso per essere stato il primo uomo ad attraversare la Groenlandia con gli sci nel 1888-1889. 
Nel 1893 tentò di raggiungere il Polo nord con una nave da lui attrezzata e poi con il kayak e infine a piedi, ma dovette fermarsi alla latitudine di 86°14′ (comunque mai raggiunta prima da nessun’altro). Riuscirà a tornare in patria solo nel 1896 grazie a una spedizione britannica incrociata nella “Terra di Francesco Giuseppe”. 
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Il simpatico cagnolone dipinto nella dodicesima stecca è opera di Karl Uchermann, un pittore noto proprio per i suoi dipinti di animali e in particolare di cani.
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L’uomo ritratto nella tredicesima stecca è Frederik Hjalmar Johansen, esploratore e compagno d’avventura di Nansen nel tentativo di conquista del Polo Nord. L’autore invece è Severin Segelcke, artista (ma anche ufficiale dell’esercito) noto soprattutto per le illustrazioni di libri di viaggio.
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Axel Ender, autore della quattordicesima stecca, ha preferito invece una scena di vita rurale con la raffigurazione di una donna in abiti tradizionali davanti a una casetta con il tetto coperto d’erba. Questo è perfettamente in linea con la sua produzione, incentrata sulla vita del popolo, specialmente d’inverno.
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La stecca successiva raffigura ancora un altro esploratore. In questo caso si tratta di Eivind Astrup, ricordato per aver più volte attraversato e mappato la Groenlandia. Il dipinto è stato realizzato dalla celebre e talentuosa ritrattista Asta Nørregaard.
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La stecca successiva, la sedicesima, è un paesaggio malinconico con una donna in primo piano, opera di Eilif Peterssen. Stavolta l’orientamento è quello del bordo sinistro della stecca, un formato senz’altro più adatto a un’ampia veduta. Il soggetto è ripreso, pressoché identico, da un suo quadro di due anni prima (il terzo della sequenza).
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Il ventaglio si conclude con la stecca dipinta dalla pittrice Elisabeth Sinding (cugina di Otto Sinding, l’autore della prima stecca) che raffigura una slitta trainata da cavalli, uno dei suoi soggetti preferiti. Questa è, a mio parere, una delle opere più belle del ventaglio per l’audace composizione in prospettiva – per altro coerente col formato trapezoidale – e per le delicate scelte cromatiche. 
Non bisogna dimenticare che l’area dipinta in ogni stecca è lunga circa 25 cm e larga, nella sua parte più ampia, solo 7.
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A questo punto si apre un piccolo mistero: contando le stecche si arriva a diciassette, più una stecca nera che copre il ventaglio quando è chiuso. Eppure, sia nella didascalia affissa accanto all’opera nella sala, sia sul sito del museo, vengono elencati diciotto artisti. 
Ma, escludendo che l’ultimo dell’elenco, cioè Thorolf Holmboe, possa aver dipinto di nero la sua stecca, che fine ha fatto il suo contributo? Forse era previsto ma non è stato realizzato? Forse è andato perduto? Di certo scriverò al museo per avere maggiori chiarimenti.
Ad ogni modo, che abbia diciassette o diciotto stecche, questo ventaglio rimane un oggetto straordinario come tutte le opere collettive: manufatti che mettono assieme, in modo armonioso, tanti mondi artistici individuali. È un prodotto che nel mondo della scuola avrebbe una forte valenza educativa: realizzare un ventaglio di gruppo, scegliendo ognuno liberamente il proprio tema e il proprio stile, significa imparare a mantenere la propria autonomia senza omologazioni ma, allo stesso tempo, partecipare a progetto unitario il cui valore complessivo è maggiore della somma delle singole parti.
Di questi ventagli collettivi ne ho trovati in rete solo pochi altri esempi di fattura tedesca o polacca, di fine Ottocento o inizio Novecento.
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Il più appariscente è questo con venti stecche dipinte, di gusto vagamente simbolista. Tra le firme ne spicca una piuttosto nota: Franz von Stuck, autore della terza immagine.
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Io, intanto, ho già pensato a come riciclare gli stecchini di legno del gelato… se solo avessi più tempo!
 
***
Nel frattempo Lia Bonardi, un’attenta lettrice che ringrazio molto, ha suggerito la soluzione del mistero: Thorolf Holmboe è l’autore del pavone. Ad attestarlo, il suo minuscolo monogramma lungo la penultima stecca.
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<title>Quando l’inquinamento diventò un colore: il fumo di Londra</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Sat, 16 Sep 2023 16:16:43 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[È un grigio scuro con una punta di blu. Periodicamente torna di moda perché è una tinta sobria ed elegante (sempre che si possa...
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<content:encoded><![CDATA[È un grigio scuro con una punta di blu. Periodicamente torna di moda perché è una tinta sobria ed elegante (sempre che si possa attribuire questa caratteristica a un colore). Sto parlando del cosiddetto ‘fumo di Londra‘, colore noto anche come ‘grigio Londra’.
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Se volessimo ottenerlo al computer, ad esempio con Photoshop, dovremmo usare una di queste miscele.
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Il risultato è un tono di grigio leggermente ‘freddo’, un colore un po’ metallico.
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Ma da dove arriva questa denominazione? Molti fanno risalire la codifica di questo colore al ‘Grande smog‘, un gravissimo episodio di inquinamento avvenuto a Londra tra il 5 e il 9 dicembre del 1952.
A creare quella mortale cappa di smog (che provocò oltre 12.000 vittime) fu una concomitanza di cause diverse: lo spostamento dell’anticiclone delle Azzorre sull’Atlantico che provocò la formazione di uno strato di aria fredda e immobile su Londra; il conseguente addensamento di una fitta nebbia dovuta alla condensa dell’aria umida e l’abbassamento delle temperature che spinse gli abitanti ad aumentare il consumo di carbone per il riscaldamento domestico, provocando un’enorme dispersione di particelle di fuliggine che si sommarono a quelle delle fabbriche e delle centrali elettriche.
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Gli effetti furono pesantissimi: la circolazione automobilistica divenne pressoché impossibile, i pedoni si smarrivano tra le strade e vennero persino chiusi teatri e cinema poiché il fumo penetrato al loro interno non rendeva visibile il palco. Ma l’aspetto più drammatico fu l’impennata di malattie respiratorie dovute ai livelli altissimi di acido solforico nell’aria che portarono nell’immediato a circa 4.000 decessi.
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Qualche anno più tardi, quando la classe politica si rese conto della correlazione tra quell’evento e i danni provocati alla salute dei cittadini, il governo inglese emanò il Clean Air Act, uno dei primi provvedimenti legislativi moderni volto a ridurre le emissioni inquinanti. Una legge che sostanzialmente decretò la fine dell’era del carbone e lo spostamento fuori dalle città di tutte le attività produttive.
Quanto al color fumo di Londra, come dicevo sopra, la sua nascita viene spesso associata a questo episodio per via della tinta grigio scuro assunta dall’aria della città. Eppure, spulciando tra la letteratura legata ai colori, ho trovato una citazione del fumo di Londra (descritto in francese come fumée de Londres) già nel testo di Eugéne Chevreul del 1864 in cui pubblicò il suo famoso cerchio cromatico (quello che ispirò a Seurat la tecnica puntinista), il <a href="https://archive.org/details/descouleursetde00chev/mode/1up" target="_blank" rel="noopener">Des couleurs et de leurs applications aux arts industriels à l’aide des cercles chromatiques</a>.
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Secondo il chimico francese il fumo di Londra è una sfumatura del nero di Ginevra, tinta che qualche pagina dopo viene descritta come una tonalità di blu. 
Ma più che capire quale fosse il tono esatto del fumo di Londra, quello che è interessante osservare è che già negli anni Sessanta dell’Ottocento, quasi un secolo prima del Grande smog, l’inquinamento londinese aveva già dato il suo nome a un colore!
D’altronde lo smog delle città inglesi era comparso già nel primo Ottocento con gli effetti della Rivoluzione industriale: la combustione del carbone riempiva l’aria di fumo che, mescolandosi con la nebbia, dava luogo a coltri spesse e irrespirabili. Lo stesso termine smog deriva proprio dalla fusione tra smoke (fumo) e fog (nebbia).
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Di questo fenomeno ha scritto un testimone d’eccezione, lo scrittore inglese Charles Dickens (1812-1870). Nel suo <a href="https://it.wikipedia.org/wiki/Tempi_difficili" target="_blank" rel="noopener">Tempi difficili</a> del 1854, un romanzo ispirato all’immaginaria città industriale di Coketown, racconta:
«Era una città con mattoni rossi o, per meglio dire, di mattoni che sarebbero stati rossi se fumo e cenere lo avessero permesso: così come stavano le cose, era una città di un rosso e di un nero innaturale come la faccia dipinta di un selvaggio; una città piena di macchinari e di alte ciminiere dalle quali uscivano, snodandosi ininterrottamente, senza mai svoltolarsi del tutto, interminabili serpenti di fumo.»
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Questa immagine delle città inglesi, costellate da ciminiere e avvolte dal fumo, diventa in poco tempo anche un soggetto artistico come in questa veduta di Manchester del 1852 realizzata da William Wyld per la regina Vittoria.
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L’inquinamento è visto curiosamente come un aspetto romantico del paesaggio, tant’è vero che è inserito all’interno di una bucolica visione con contadini e caprette.
Quarant’anni dopo, le atmosfere fumose delle città industriali diventano il soggetto principale del dipinto, come in questa tela di Lionel Walden dedicata al molo di Cardiff, la capitale del Galles che nel giro di un secolo vide un’enorme espansione grazie alle esportazioni di carbone.
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L’inquinamento dell’aria non appariva come un problema ma come la manifestazione visibile del progresso. Quasi un’anticipazione dell’estetica del Futurismo, ma dipinta secondo le regole accademiche.
Tuttavia, secondo uno <a href="https://www.pnas.org/doi/full/10.1073/pnas.2219118120" target="_blank" rel="noopener">studio dell’Università di Cambridge</a>, lo smog non avrebbe solo preso il posto dei soggetti della tradizione ma sarebbe stato determinante nella nascita dell’Impressionismo. I ricercatori, infatti, hanno osservato come i dipinti di Turner (considerato per la sua pennellata larga e sfaldata un precursore dell’Impressionismo) e, successivamente, quelli di Monet, diventino anno dopo anno sempre più sfocati, in parallelo con l’aumento di anidride solforosa nel cielo.
Il celebre Pioggia, vapore, velocità del 1844 dipinto da William Turner non sarebbe quindi solo un esperimento di vaghezza, ma un preciso e realistico ritratto del livello di inquinamento presente nell’atmosfera inglese in quel periodo.
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Allo stesso modo le vedute di Londra di Claude Monet dipinte alla fine del secolo, specialmente quelle del Parlamento inglese e del ponte di Charing Cross, sono il risultato di una densa coltre di smog, prima che di una tecnica basata sulle pennellate veloci.
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Di questo aspetto, del fatto cioè che stesse dipingendo l’aria inquinata, Monet era perfettamente consapevole e in parte anche compiaciuto come rivela una lettera scritta alla moglie nel 1900:
«Sto lavorando molto duramente, anche se stamattina pensavo davvero che il tempo fosse completamente cambiato; quando mi sono alzato ho visto con terrore che non c’era nebbia, nemmeno un filo di nebbia: ero prostrato, e vedevo tutti i miei quadri finiti, ma a poco a poco i fuochi si sono accesi e il fumo e la foschia sono tornati.»
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È la stessa foschia che aveva già immortalato Giuseppe De Nittis nel suo periodo londinese del 1878.
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Questi pittori, dunque, hanno dipinto (e respirato) il famoso fumo di Londra e in effetti è proprio di quel grigio-azzurro di cui parlava Chevreul. 
Certo, fa un po’ specie che un fenomeno che oggi, giustamente, combattiamo, sia stato in qualche modo un motore della pittura. Ma tant’è: l’arte è sempre espressione di un’epoca e di una società. E noi dobbiamo osservarla in modo oggettivo, grati di tutte le storie che ci sa raccontare.
 
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<title>Le farfalle di Bierstadt</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Sun, 27 Aug 2023 14:44:20 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Pittore statunitense di origini tedesche, Albert Bierstadt (1830-1902) è ricordato soprattutto per i suoi suggestivi paesaggi del selvaggio West, opere basate su fotografie scattate...
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<content:encoded><![CDATA[Pittore statunitense di origini tedesche, Albert Bierstadt (1830-1902) è ricordato soprattutto per i suoi suggestivi paesaggi del selvaggio West, opere basate su fotografie scattate dallo stesso artista ma rese ancora più drammatiche da potenti effetti di luce.
Celebri sono le sue vedute delle Montagne Rocciose, l’immensa catena montuosa che attraversa il Nord America da nord a sud, sul versante occidentale. Ne è un esempio <a href="https://www.brooklynmuseum.org/opencollection/objects/1558/" target="_blank" rel="noopener">Tempesta sulle Montagne Rocciose, Monte Rosalie</a>, del 1866, una tela di ben 210×361 cm.
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È una vista monumentale, esageratamente ampia (oggi servirebbe un grandangolo per ottenenre qualcosa di simile in fotografia), appositamente studiata per creare un forte impatto emotivo. In basso al centro si possono scorgere alcune minuscole figure umane, inserite per suggerire le dimensioni reali della scena.
Il monte Rosalie, così battezzato da Bierstadt in onore di Rosalie Osborne Ludlow, la moglie di un compagno di viaggio che di lì a poco divorzierà per sposare l’artista, svetta lontanissimo dietro la massa delle nubi (oggi quella vetta è nota come Monte Evans). L’artista vide quel panorama dal vero nel 1863, durante una spedizione per conto del governo degli Stati Uniti.
Della stessa zona è <a href="https://harvardartmuseums.org/collections/object/303976" target="_blank" rel="noopener">Montagne Rocciose, Lander’s Peak</a>, dipinto nel 1863 subito dopo il ritorno dalla spedizione. Anche questa è una veduta ‘corretta’ ottenuta aggiungendo dettagli capaci di aumentare la suggestione della scena. Non sono stati raffigurati, invece, i nativi della tribù Shoshone che abitavano quelle terre, che pure Bierstadt aveva incontrato e raffigurato in alcuni bozzetti.
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Del 1868 è una veduta della <a href="https://americanart.si.edu/artwork/among-sierra-nevada-california-2059" target="_blank" rel="noopener">Sierra Nevada</a>, in California. La luce, se possibile, è ancora più spettacolare. Il paesaggio appare enormemente profondo grazie all’accorgimento di aver lasciato in penombra il primo piano e aver dato il massimo della luminosità ai monti più lontani.
In primo piano solo le <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=3702" target="_blank" rel="noopener">silhouette</a> di alcuni cervi e poi un’immancabile <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=6519" target="_blank" rel="noopener">specchio d’acqua</a> che riflette e duplica il chiarore impalpabile della scena.
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Per rendere ancora più emozionanti le sue vedute, Bierstadt era solito presentare al pubblico ogni nuovo quadro creando un evento carico di suspence: la tela veniva appesa in una stanza buia, coperta da drappi fastosi e rivelata al pubblico con l’apertura dei tendaggi, tra applausi scroscianti.
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Ma da dove deriva questo linguaggio così scenografico? Non vi ricorda certe atmosfere romantiche della pittura tedesca? E infatti è là, in Germania, e precisamente a Düsseldorf, che Bierstadt impara a dipingere, dopo gli inizi da autodidatta in Massachussetts. 
Rimane in Europa per per cinque anni, dal 1853 al 1858, viaggiando anche in Svizzera e in Italia (dove visita Roma, Napoli, Capri e Paestum). Il suo stile è già nitido e magniloquente, come si può osservare in questa vista del lago di Lucerna e nel panorama della Marina Piccola di Capri.
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Al suo ritorno in patria espone con successo le sue vedute d’Europa e si unisce alla <a href="https://artsandculture.google.com/entity/hudson-river-school/m023ts6?hl=it" target="_blank" rel="noopener">Hudson River School</a>, un gruppo di paesaggisti fondato da Thomas Cole che sceglie di rappresentare gli sterminati territori americani con la forza evocativa della pittura romantica. Il nome deriva dalla valle del fiume Hudson, nel nord est degli Stati Uniti, dove dipingeva la prima generazione di artisti.
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Fondamentale per questi pittori è stata la conoscenza delle opere di Lorrain, Constable e Turner. Tuttavia il gruppo è mosso da un forte intento nazionalista e dalla volontà di dimostrare l’indipendenza della pittura americana da quella europea.
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Nelle vedute mozzafiato di Bierstadt c’era in più un vero e proprio intento ‘politico’: con quelle viste il pittore intendeva spronare il popolo americano a conquistare il grandioso Far West, presentandolo come una sorta di paradiso terrestre. L’artista, infatti, credeva nel “<a href="https://it.wikipedia.org/wiki/Destino_manifesto" target="_blank" rel="noopener">destino manifesto</a>“, un’ideologia nata a metà dell’Ottocento secondo la quale gli abitanti degli Stati Uniti avevano l’inevitabile ed evidente missione divina di espandersi e affermare i loro valori di libertà e democrazia, in particolare verso ovest.
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Ma in questo articolo, in verità, non volevo raccontarvi né dei favolosi paesaggi di Bierstadt né delle opinabili teorie che vi stanno dietro, bensì delle sue farfalle.
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Le ho scoperte per caso, mentre setacciavo la rete per una <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?page_id=27051" target="_blank" rel="noopener">raccolta a tema</a>, ma mi hanno subito folgorata. Si tratta, infatti, del tipico gioco che tutti da piccoli abbiamo fatto con le tempere, spremendo un po’ di colori sulla metà di un foglio di carta, piegando l’altra metà e schiacciando per far allargare i colori.
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Quelle di Bierstadt però sono realizzate con una tale maestria che non somigliano neanche lontanamente alle grossolane macchie simmetriche della nostra infanzia. L’artista le realizzava come ricordo da regalare alle signore sue ospiti, nel corso dei tanti inviti pubblici che amava fare in casa sua.
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Ecco come una giornalista del Free Press di Detroit, presente a un incontro del 1892, raccontò l’episodio:
“Noi donne eravamo così felici di essere donne quel pomeriggio, perché il signor Bierstadt ha regalato a ogni signora un souvenir. Ecco come li ha realizzati. Ci siamo riuniti tutti intorno al tavolo e lui ha tirato fuori una tavolozza, un coltello e alcuni grossi fogli di spessa carta da disegno. Due o tre tocchi di pigmento sulla carta, una piega veloce, e tenendola ancora piegata contro una lastra di vetro, ha fatto dall’esterno due o tre colpi di quella spatola da mago e subito è apparsa una meravigliosa farfalla o falena brasiliana, completa di venature sulle ali! Con un tocco di matita ha aggiunto le antenne, l’autografo dell’artista è stato apposto all’angolo e ora ognuna di noi possiede un dipinto di Bierstadt”.
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Di queste farfalle se ne conservano meno di una trentina. Naturalmente, per la loro stessa tecnica di realizzazione, non ne esistono due uguali. Ma le accomuna la raffinata esecuzione e l’impressionante iridescenza delle ali.
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Questa tecnica non è stata inventata da Bierstadt, ma è probabile che il pittore l’abbia conosciuta durante gli anni trascorsi in Germania. L’idea, infatti, è attribuita al poeta tedesco Justinus Kerner (1786-1862) che avrebbe cominciato a praticarla dopo la piegatura di un foglio sul quale erano cadute accidentalmente alcune gocce di inchiostro. La macchia simmetrica che si era formata aveva una forma molto interessante e così Kerner, nel 1857, cominciò a illustrare le sue poesie con queste immagini. Era nata la <a href="https://digi.ub.uni-heidelberg.de/diglit/kerner1890/0001/image,info" target="_blank" rel="noopener">kleksografia</a>.
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La tecnica prese ben presto due strade separate: quella del gioco, con macchie che riproducono divertenti mostriciattoli e altre figure riconoscibili come, appunto, le farfalle, e quella della psicanalisi, in cui il paziente viene studiato attraverso ciò che tende a riconoscere in macchie piuttosto astratte.
Al primo gruppo appartiene la ricerca di Ruth McEnery Stuart e Albert Bigelow Paine, due autori statunitensi che nel 1896 hanno pubblicato <a href="https://read.gov/books/pageturner/2002juv17793/#page/8/mode/2up" target="_blank" rel="noopener">Gobolinks, or Shadow-Pictures for Young and Old</a>. Il libro spiega come realizzare dei piccoli mostri d’inchiostro e come fare con questi anche un gioco da tavolo scrivendo poesie ispirate ai personaggi, i gobolinks. Seguono decine di esempi.
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Al secondo gruppo appartiene il lavoro di Hermann Rorschach (1884-1922), psichiatra svizzero noto per un test che porta il suo nome basato sulle kleksografie. Lui stesso, da bambino, aveva giocato con grande coinvolgimento a creare macchie simmetriche di inchiostro e, una volta completati gli studi, cercò di capire se la diversa interpretazione data da ciascuno a quelle forme potesse indicare un certo tipo di personalità ed eventuali problemi psichici. Per fare ciò predispose dieci tavole con macchie prive di somiglianze evidenti ad oggetti reali.
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Raccoglierà le sue osservazioni in <a href="https://archive.org/details/psychodiagnostic011205mbp/mode/2up" target="_blank" rel="noopener">Psychodiagnostik A Diagnostic Test Based On Perception</a>, un testo pubblicato nel 1921. Oggi il suo test e il suo <a href="https://www.internationalrorschachsociety.com" target="_blank" rel="noopener">approccio</a> sono ancora in uso.
Quanto alle farfalle di Bierstadt, resta da dire solo una cosa: non esistono, nel campo dell’arte, ‘giochi da bambini’ che non possano essere fatti anche dagli adulti. Il divertimento e la meraviglia fanno bene a qualsiasi età. E in qualche caso ci scappa pure il capolavoro!
 
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<title>Artisti a Capo Nord</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Sun, 23 Jul 2023 08:37:34 +0000</pubDate>
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<content:encoded><![CDATA[“Sono qui a capo Nord, all’estremo limite del Finnmark, e posso anche ben dire all’estremo limite di tutto il mondo dal momento che non c’è altro luogo più a nord di questo che sia abitato da uomini. La mia sete di sapere è ora appagata e ora voglio tornare in Danimarca e, se Dio vuole, al mio Paese”.
Così scrive il prete e scienziato italiano Francesco Negri nel 1664 nel suo <a href="https://www.liberliber.it/online/autori/autori-n/francesco-negri/il-viaggio-settentrionale/" target="_blank" rel="noopener">Viaggio settentrionale</a>, un resoconto sotto forma epistolare delle osservazioni compiute lungo il suo itinerario in Scandinavia.
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Considerato il primo turista mai giunto a Nordkapp, Negri intraprese il viaggio in solitaria per puro desiderio di conoscenza ma, grazie alle sue osservazioni, diede il via al mito dei popoli nordici in un’epoca in cui il centro della cultura europea era considerato il Mediterraneo e l’esotismo era diretto solo verso l’estremo Oriente e il Nuovo Mondo.
Ma dove si trova esattamente questo luogo? 
Denominato Nordkapp (cioè Capo Nord in norvegese) dal navigatore inglese Richard Chancellor nel 1553, è la punta estrema del continente europeo. Le sue coordinate sono 71° 10′ 21″ di latitudine Nord, ben al di sopra del Circolo Polare Artico che si trova invece a 66° 33′ 49″.
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In realtà Nordkapp non fa parte della terraferma perché si trova sull’isola di Magerøy. E non è neanche il punto più settentrionale dell’isola poiché la penisola di Knivskjelodden, un po’ più a ovest, arriva a 71° 11′ 08″. Ma è là che nel tempo si è consolidato l’immaginario collettivo, su quel lembo sperduto di roccia proteso sul Mar glaciale artico.
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Nel 1798 un altro italiano arriva a Capo Nord, stavolta via terra: è lo studioso Giuseppe Acerbi che lo raggiunge attraverso la Finlandia assieme all’ufficiale svedese Anders Fredrik Skjöldebrand. Tornato in patria pubblica in inglese <a href="https://archive.org/details/travelsthroughsw02inacer/page/6/mode/thumb" target="_blank" rel="noopener">Travels through Sweden, Finland and Lapland, to the North Cape in the years 1798 and 1799</a>. Il suo compagno di viaggio, invece, scrive <a href="https://www.doria.fi/bitstream/handle/10024/69460/001.pdf?sequence=1&isAllowed=y" target="_blank" rel="noopener">Voyage pittoresque au Cap du Nord, avec gravures</a>, un testo con 80 illustrazioni tra le quali un suggestivo sole di mezzanotte, lo spettacolo più sorprendente che offre Capo Nord.
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E forse è proprio quel sole basso sull’orizzonte, perfettamente allineato a nord, nel pieno delle notti estive, il vero motivo del fascino di Nordkapp. Si tratta di un fenomeno che può essere osservato anche in altri luoghi al di sopra del circolo polare artico tra giugno e luglio e che ha il suo apice il giorno del solstizio d’estate, ma a Capo Nord assume un’aura quasi epica: sfiora il mare e poi risale, percorrendo un giro completo lungo l’orizzonte. Insomma, invece di tramontare verso il basso continua a spostarsi sempre verso destra.
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Il motivo di questo curioso moto (apparente) sta nell’inclinazione dell’asse terrestre rispetto ai raggi del sole nel periodo del solstizio d’estate. In quei giorni, come si può osservare nello schema qui sotto, la parte al di sopra del circolo polare artico resta tutta nella metà della terra illuminata dal sole, anche se questa ruota sempre attorno al proprio asse. 
Dunque non c’è alternanza tra buio e luce, ma un periodo perennemente luminoso, una lunga notte bianca in cui il sole non scende mai sotto l’orizzonte. A Capo nord questo arco di tempo corrisponde ai giorni compresi tra l’11 maggio e il 31 luglio.
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Questo spettacolo ha attirato, nel corso dell’Ottocento, viaggiatori e artisti in numero sempre crescente.
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Generalmente ne hanno tratteggiato l’imponente promontorio di granito, alto 307 metri, per accompagnare un resoconto di viaggio. Ne è un esempio la litografia a colori di Leon Jean Baptiste Sabatier in Atlas Historique et Pittoresque per Voyages de la Commission Scientifique du Nord.
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In altri casi la scena è meno pittorica e la sua illustrazione è evidentemente legata a finalità di studio scientifico come queste tre vedute del promontorio realizzate per <a href="https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k3219428/f14.planchecontact#" target="_blank" rel="noopener">Voyages de la commission scientifique du Nord, en Scandinavie, en Laponie, au Spitzberg et aux Feroë pendant les années 1838, 1839 et 1840 sur la corvette La Recherche</a>.
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In verità non era il sole di mezzanotte o il fascino di questa penisola rocciosa a muovere le grandi spedizioni, bensì il tentativo di trovare il ‘passaggio a nord-est‘ (cioè la rotta dal Mare del Nord al Pacifico) doppiando proprio Capo Nord. L’impresa riuscirà solo nel 1879 allo svedese Adolf Erik Nordenskiöld con la nave baleniera Vega.
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Per trovare il primo grande artista a Capo Nord occorre aspettare il norvegese <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Peder_Balke" target="_blank" rel="noopener">Peder Balke</a> (1804-1887), un pittore romantico allievo di Johan Christian Dahl. Balke visitò Norkapp solo una volta, nel 1832, ma quel viaggio lo segnò per sempre, tanto che quel promontorio piatto a strapiombo sul mare tornò innumerevoli volte nei suoi dipinti.
Le prime opere sono ancora piuttosto <a href="https://sparebankstiftelsen.no/en/artworks/north-cape/" target="_blank" rel="noopener">naturalistiche</a>, luminose e ricche di dettagli. In questa del 1845 la rocca appare chiara sotto il tipico cielo estivo, pieno di uccelli e dall’orizzonte arrossato. Un’immagine che evoca le parole annotate in viaggio: “La bellezza della natura assume il ruolo principale“. Ma le ampie onde scure sono già quelle del suo tenebroso stile più maturo.
<a style="color: #000000;" href="https://sparebankstiftelsen.no/en/artworks/north-cape/" target="_blank" rel="noopener"><img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter wp-image-27847 size-full" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1845-Peder-Balke-Capo-Nord.jpg" alt="" width="1000" height="726" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1845-Peder-Balke-Capo-Nord.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1845-Peder-Balke-Capo-Nord-300x218.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1845-Peder-Balke-Capo-Nord-768x558.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" /></a>
Pochi anni dopo Balke dipinge almeno tre opere molto simili e piuttosto insolite: mentre tutti cercavano di catturare il sole di mezzanotte, l’artista raffigura Capo Nord al <a href="https://www.metmuseum.org/art/collection/search/441379" target="_blank" rel="noopener">chiaro di luna</a> in una condizione di luce straordinariamente <a href="https://www.nasjonalmuseet.no/en/collection/object/NG.M.04152" target="_blank" rel="noopener">drammatica</a>, ma con il mare calmo e qualche barchetta sparsa.
<a style="color: #000000;" href="https://www.nasjonalmuseet.no/en/collection/object/NG.M.04152" target="_blank" rel="noopener"><img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter wp-image-27849 size-full" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1840-Peder-Balke.jpg" alt="" width="1000" height="810" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1840-Peder-Balke.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1840-Peder-Balke-300x243.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1840-Peder-Balke-768x622.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" /></a>
<a style="color: #000000;" href="https://www.metmuseum.org/art/collection/search/441379" target="_blank" rel="noopener"><img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter wp-image-27848 size-full" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1848-Peder-Balke-Capo-Nord-chiaro-di-luna.jpg" alt="" width="1000" height="714" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1848-Peder-Balke-Capo-Nord-chiaro-di-luna.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1848-Peder-Balke-Capo-Nord-chiaro-di-luna-300x214.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/1848-Peder-Balke-Capo-Nord-chiaro-di-luna-768x548.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" /></a>
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Le differenze sono minime. Giusto la forma delle nuvole e il trattamento dell’acqua. Quando uno di questi dipinti fu esposto a Oslo nell’autunno del 1848, un critico scrisse che “cattura il nostro interesse, sia per la natura del soggetto stesso che per la singolarità della percezione del momento scelto“.
Intorno al 1850 Balke torna sullo stesso tema con un piccolo olio denso e veloce. Il promontorio è diventato un rettangolo scuro sullo sfondo attraversato da una fenditura.
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Dieci anni dopo riprende la stessa veduta con qualche variazione. Il formato rimane piuttosto piccolo. Ormai dipinge solo per se stesso, alla ricerca di un linguaggio sempre più onirico e rapido.
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Tutto si fa più leggero nel 1870. Balke ha maturato uno stile ancora più essenziale, arrivando a costruire le forme con poche larghe pennellate. Capo Nord è diventato una presenza rarefatta. Tutto svapora sotto un luminoso cielo estivo.
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La differenza con le incisioni e le litografie a colori coeve, realizzate da altri artisti a corredo di racconti di viaggio, non poteva essere maggiore. Quanto più Balke è evocativo, quanto più queste sono descrittive.
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Al termine del suo percorso, tra gli anni ’70 e ’80, Balke arriverà alla totale monocromia. La superficie è spazzata dal pennello con gesti decisi. Tutto si decide in pochi tratti. Ma il mare non è più calmo. Tornano le grandi onde che fanno colare a picco le navi, torna lo spirito romantico su cui si era formato.
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Solo lo svedese Anders Zorn (1860-1920) riuscirà a dare a Capo Nord, nel 1890, una nuova interpretazione. Con la sua pennellata impressionista ha scelto di concentrarsi nel punto in cui la roccia incontra il mare, lasciando intravedere l’orizzonte arrossato dal sole di mezzanotte sotto un bel cielo azzurro. Il paesaggio sublime è ormai un ricordo lontano.
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Nel frattempo il promontorio ricevette i primi ospiti illustri. Nel 1873 fu visitato dal re Oskar II di Svezia. A ricordo di quell’evento venne posto sulla punta un piccolo obelisco di pietra, visibile in questa incisione dell’anno seguente.
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Poi, nel 1907, arriverà il re di Thailandia Chulalongkorn. Ma da quel momento Nordkapp non fu più soggetto di dipinti. Era iniziata l’epoca delle fotografie, come questa del 1901.
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La strada E69, che oggi arriva fin quasi alla punta, verrà pianificata nel 1934 per favorire il turismo e aperta nel 1956. Dal 1999 il passaggio sull’isola, che in precedenza avveniva via traghetto, avviene attraverso un tunnel sottomarino (piuttosto inquietante, a dire il vero) che arriva a circa 200 metri di profondità sotto il livello del mare.
Nel frattempo la spianata di Capo Nord ha visto nascere nuove strutture. L’obelisco è stato spostato verso l’interno mentre al suo posto svetta un grande globo terrestre composto solo di meridiani e paralleli, eretto nel 1978.
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Ecco come mi è apparso qualche giorno fa, quando ho visitato per la seconda volta Capo Nord.
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Ho scattato questa foto verso mezzanotte e mezza, quando la massa di turisti accorsi con gli autobus per vedere il sole di mezzanotte (che però era parzialmente coperto) si era già dissolta. 
La vista del promontorio, verso le 21:30, era invece questa.
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Il centro visitatori, chiamato Nordkapphallen, è alle nostre spalle. Al suo interno si trovano bar, ristorante, cinema, cappelle, sale espositive, negozi e tanto altro. La struttura originale è del 1959 mentre l’ampliamento risale al 1988.
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Al suo interno, da appassionata di <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=24549" target="_blank" rel="noopener">finestre</a>, non potevo fare a meno di inquadrare il globo dalla grande vetrata dell’edificio circolare…
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-27870" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/finestra-Capo-Nord.jpg" alt="" width="1000" height="1250" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/finestra-Capo-Nord.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/finestra-Capo-Nord-240x300.jpg 240w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/finestra-Capo-Nord-768x960.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/07/finestra-Capo-Nord-819x1024.jpg 819w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Verso le due di notte ho salutato Nordkapp con questa immagine negli occhi: la silhouette del grande globo sopra una striscia di cielo aranciato tra due fasce di un azzurro metallo.
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E anch’io, come il buon Francesco Negri, ho sentito appagata la mia voglia di vedere e di scoprire. Pronta per il lungo viaggio che mi avrebbe riportata a casa, in Sicilia.
***
Per informazioni tecniche su come visitare Capo nord rimando alle pagine del sito <a href="https://www.visitnorway.it/dove-andare/norvegia-settentrionale/capo-nord/" target="_blank" rel="noopener">VisitNorway</a>.
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<title>Vi racconto lo Spinario</title>
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<dc:creator><![CDATA[Emanuela Pulvirenti]]></dc:creator>
<pubDate>Sun, 25 Jun 2023 16:55:39 +0000</pubDate>
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<content:encoded><![CDATA[È una scultura classica apparentemente ordinaria: un ragazzino seduto su una roccia che si sta togliendo una spina dal piede. Eppure lo <a href="https://www.museicapitolini.org/it/opera/spinario" target="_blank" rel="noopener">Spinario</a> – questo il nome con cui l’opera è conosciuta – ha una storia affascinante e per certi aspetti ancora misteriosa.
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Tanto per cominciare: è una statua greca o romana? 
La versione bronzea conservata ai Musei Capitolini è considerata un’opera eclettica di origine greca perché creata unendo una testa del periodo severo (V sec. a.C.) a un corpo ellenistico del I secolo a.C. 
Questo spiegherebbe il motivo per cui i capelli non scendono verso il basso, come sarebbe ovvio per un capo chino, ma fluiscono elegantemente ai lati del volto.
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Tuttavia lo Spinario era un’<a href="https://artsandculture.google.com/asset/spinario-unknown/7AHcki2QVVZsqw" target="_blank" rel="noopener">iconografia diffusa</a>, tanto che oggi se ne possono osservare diversi esemplari, egualmente antichi, generalmente di età imperiale.
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Ma andiamo al soggetto. È un giovane pastore greco? Sì, è possibile. Nell’età ellenistica (IV-I secolo a.C.) la <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=3351" target="_blank" rel="noopener">scena di genere</a>, cioè la rappresentazione di episodi ordinari, di momenti di vita quotidiana, era piuttosto comune. In questo caso il gesto del ragazzo non avrebbe alcun significato particolare, sebbene per i Greci la puntura di una spina fosse metafora del dolore procurato dall’innamoramento.
Nella cultura greca però potrebbe anche essere Podaleiros, figlio di Asklepios, guaritore dei piedi.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-27567" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-6.jpg" alt="" width="877" height="1088" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-6.jpg 877w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-6-242x300.jpg 242w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-6-768x953.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-6-825x1024.jpg 825w" sizes="(max-width: 877px) 100vw, 877px" />
Presso i Romani invece lo Spinario rappresentava probabilmente Ascanio, il figlio di Enea e l’iniziatore della gens Iulia. Dunque non si tratterebbe di un semplice pastorello ma di una figura fondamentale all’interno del mito fondativo della civiltà romana.
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Ma potrebbe essere anche il giovane Marzio, il messaggero che nel IV secolo a.C., nel corso della guerra contro Veio, corse fino a Roma per avvertire dell’imminente attacco da parte degli Etruschi. La spina, che si sarebbe conficcata nel piede durante il percorso, verrà tolta solo a missione ultimata, a sottolineare l’eroismo del giovane e il suo sprezzo del dolore.
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Quale che sia l’identità del ragazzo, è indubbio che quel gesto banale di estrarre una spina dal piede abbia ispirato gli artisti per secoli.
È presente in tante chiese romaniche, soprattutto in quelle lungo le vie di pellegrinaggio, sotto forma di bassorilievo nei portali. In questo contesto la spina rappresenta il peccato o l’inganno della ricchezza: il fedele è chiamato quindi a fermare il cammino per liberarsi dal peccato e dalle tentazioni, prima di proseguire. Eccolo nella ghiera del portale della Basilica di Vézelay, in Francia.
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Qui è in un rilievo dell’Abbazia di Cluny.
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Mentre questo è a Milano, su uno dei portali della Basilica di Sant’Ambrogio.
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Lo stesso significato religioso è presente anche nello spinario del <a href="https://www.mosaicodiotranto.com/virtualtour/mosaico.html?startscene=0&startlookat=0.034424,0.167602,1.658854,0,0;" target="_blank" rel="noopener">mosaico pavimentale del Duomo di Otranto</a>. In questo caso l’uomo che si toglie la spina corrisponde al mese di marzo nella parte dedicata al ciclo dei mesi.
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È tutto enormemente più schematico e grezzo, ma il rimando è sempre al nostro antico ‘cavaspino‘. Stessa cosa nel mese di marzo della Fontana Maggiore di Perugia di Nicola e Giovanni Pisano del 1278.
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Naturalmente ricompare nel Rinascimento, all’interno dell’ampia operazione di recupero della cultura classica. La prima apparizione si trova nientemeno che nella formella di Filippo Brunelleschi creata nel 1401 per il concorso per la porta Nord del Battistero di Firenze (competizione poi vinta da Lorenzo Ghiberti). 
Nella scena del <a href="https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900287016" target="_blank" rel="noopener">Sacrificio di Isacco</a>, nell’angolo in basso a sinistra, si può osservare un uomo seduto, intento a levarsi una spina dal piede.
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Non si sa quale copia abbia visto Brunelleschi. Agli U<a href="https://www.uffizi.it/opere/lo-spinario#text" target="_blank" rel="noopener">ffizi</a> se ne conserva una versione marmorea ma è certo che lo Spinario capitolino era conosciuto fin dalla fine del XII secolo, quando viene rinvenuto dal viaggiatore inglese Magister Gregorius da Oxford che lo cita nel suo De mirabilibus urbis Romae, anche se la vista dei testicoli che pendono tra le gambe hanno portato lo studioso a ritenere che si trattasse di una raffigurazione di Priapo.
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Queste le parole con cui descrive lo Spinario: 
“De ridiculoso simulachro Priapi. Est etiam aliud aeneum simulacrum, valde ridiculosum, quod Priapum dicunt. Qui dimisso capite velut spinam calcatam educturus de pede, asperam lesionem patientis speciem representat. Cui si demisso capite velut quid agat exploraturus suspexeris, mirae magnitudinis virilia videbis.” 
Cioè: “La buffa statua di Priapo. C’è pure un’altra statua di bronzo, assai buffa, che si dice raffiguri Priapo. Egli, a capo chino, mentre sta per estrarre dal piede una spina appena calpestata, rappresenta l’immagine di chi sopporta un’acuta ferita. Se lo guardi con la testa chinata, come se tu cercassi di distinguere bene cosa vuol fare, potrai vedere le sue parti genitali di una misura notevole“.
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Nel frattempo, nel 1471, papa Sisto IV sposta dal Laterano al Campidoglio la sua collezione di marmi e bronzi antichi per farne dono al popolo romano. Tra questi anche lo Spinario. Ed è qui che l’avrebbe visto Luca Signorelli, un altro artista rinascimentale, mentre era a Roma per disegnare statue e rovine. Affascinato da quel personaggio lo inserisce nelle scene sacre più diverse come un tondo con Madonna e Bambino del 1492 e un Battesimo di Cristo del 1508.
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Un altro cavaspino è presente in un frammento della Pala Bichi, un’opera smembrata risalente al 1488-1489. Come quello del tondo, l’uomo in realtà non sta togliendo la spina ma sta compiendo l’operazione precedente e cioè togliersi la scarpa.
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Non abbiamo più i disegni di Signorelli ma possiamo vedere simili studi sullo Spinario negli schizzi di Jan Gossaert (noto come Mabuse), il primo pittore fiammingo ad andare a Roma. 
Siamo nel 1509, l’epoca di papa Giulio II e dei grandi cantieri del Vaticano. Il corpo è più muscoloso dell’originale, ma è notevole il fatto che persino un artista del nord Europa, proveniente da tutt’altra cultura, sia stato attratto da quel bronzo.
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Poco dopo cominciano a circolare le prime incisioni dello Spinario capitolino, come quella di <a href="https://www.metmuseum.org/art/collection/search/352155" target="_blank" rel="noopener">Marco Dente</a> del 1515-1527 con una vista laterale della statua (che improvvisamente ha sviluppato una schiena michelangiolesca).
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-27657" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-dente.jpg" alt="" width="1000" height="1431" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-dente.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-dente-210x300.jpg 210w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-dente-768x1099.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-dente-716x1024.jpg 716w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
… o quella più tarda di <a href="https://www.mfab.hu/artworks/slave-removing-a-thorn-from-his-foot/" target="_blank" rel="noopener">Diana Scultori Ghisi</a>, datata 1581, conosciuta anche col titolo “Schiavo che rimuove una spina dal piede”. Grazie a queste opere, riprodotte in gran numero, la fama dello Spinario si diffonde a macchia d’olio.
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Tante sono anche le copie tridimensionali della stessa epoca, come questa in <a href="https://collections.vam.ac.uk/item/O192268/hercules-plucking-a-thorn-from-statuette-weiditz-christoph/" target="_blank" rel="noopener">avorio</a>, di un autore tedesco.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-27686" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-avorio-a540.jpg" alt="" width="1000" height="1469" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-avorio-a540.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-avorio-a540-204x300.jpg 204w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-avorio-a540-768x1128.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-avorio-a540-697x1024.jpg 697w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
La posa dello Spinario assume una tale forza visiva che gli artisti cominciano ad attribuirla anche a Venere. Eccola in due incisioni cinquecentesche mentre <a href="https://www.metmuseum.org/art/collection/search/684733" target="_blank" rel="noopener">si asciuga un piede</a> dopo il bagno e mentre si <a href="https://www.metmuseum.org/art/collection/search/396033" target="_blank" rel="noopener">toglie una spina</a> (secondo il mito, dalle gocce del suo sangue, cadute su una rosa bianca, nasceranno le rose rosse).
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-27675" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-venere.jpg" alt="" width="1000" height="612" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-venere.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-venere-300x184.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-venere-768x470.jpg 768w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Con il Ritratto del cardinale Antonio Pucci di Pier Francesco Foschi del 1540, facciamo un salto di qualità. Lo Spinario infatti non è presente come iconografia, come gesto applicato a un personaggio, ma come citazione dell’opera originale, presente in miniatura sul tavolo del porporato a simboleggiarne la vasta cultura.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-27655" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-foschi.jpg" alt="" width="1000" height="1327" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-foschi.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-foschi-226x300.jpg 226w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-foschi-768x1019.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-foschi-772x1024.jpg 772w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Lo Spinario non smette di affascinare gli artisti neanche in età barocca. Ecco gli schizzi di <a href="https://www.britishmuseum.org/collection/object/P_T-14-1" target="_blank" rel="noopener">Peter Paul Rubens</a> del 1608 in cui il ragazzo appare simile alla versione capitolina (ma con i capelli che scendono verso il basso) e anche con una posa differente, voltato a guardare l’osservatore mentre asciuga il piede con una pezza.
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L’olandese Pieter Claesz, invece, lo inserisce in una natura morta del 1628. Stavolta si tratta di un gesso di grosse dimensioni posato su un tavolo assieme a tanti altri oggetti, a creare una splendida vanitas. 
Ci sono gli strumenti dell’artista: lo Spinario, la bacchetta reggipolso, la tavolozza con i pennelli e il quaderno dei disegni. Ci sono strumenti musicali posati per terra, tra i quali un violino e un liuto capovolto. E poi libri, un’armatura e un bellissimo <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=25501" target="_blank" rel="noopener">calice römer</a>. 
Ma se tutto questo simboleggia la vita attiva del pittore, ecco che intervengono alcuni oggetti che alludono alla caducità della gloria e della vita stessa: il teschio, la lucerna appena spenta e l’orologio.
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Nel passaggio al secolo successivo e con la crescita dell’interesse verso l’arte classica, lo Spinario non può che rivivere un nuovo momento di gloria. Il primo che lo ripropone è Giovanni Paolo Pannini nella sua celebre <a href="https://collections.louvre.fr/en/ark:/53355/cl010059877" target="_blank" rel="noopener">Galleria di vedute di Roma antica</a> del 1758. 
Si tratta di una sorta di museo immaginario che raccoglie i monumenti romani in forma di dipinti e le sculture più famose: una sorta di raccolta di <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=26950" target="_blank" rel="noopener">souvenir classici</a> ideata per il conte Étienne François de Choiseul. Ovviamente non poteva mancare lo Spinario, collocato su un piedistallo nell’angolo in basso a destra.
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Nel dipinto dell’inglese Johan Zoffany del 1772 che raffigura <a href="https://www.rct.uk/collection/400747/the-academicians-of-the-royal-academy" target="_blank" rel="noopener">Gli accademici della Royal Academy</a>, lo Spinario è citato invece nella posa del modello sulla destra, a suggerire l’importanza della cultura classica nella formazione degli artisti.
<img loading="lazy" decoding="async" class="aligncenter size-full wp-image-27679" src="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-zoffany-1771-72.jpg" alt="" width="1000" height="472" srcset="https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-zoffany-1771-72.jpg 1000w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-zoffany-1771-72-300x142.jpg 300w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-zoffany-1771-72-768x362.jpg 768w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-zoffany-1771-72-520x245.jpg 520w, https://www.didatticarte.it/Blog/wp-content/uploads/2023/06/spinario-zoffany-1771-72-720x340.jpg 720w" sizes="(max-width: 1000px) 100vw, 1000px" />
Pochi anni dopo, esattamente nel 1785, lo Spinario capitolino è raffigurato con grande precisione in un’incisione di Francesco Piranesi, figlio di Giovanni Battista. Nel testo che accompagna la stampa il ragazzo è presentato come un atleta vittorioso che potrebbe essersi punto il piede nel corso di una competizione.
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Una statua così attraente non poteva che far venire l’acquolina in bocca anche a Napoleone. E così lo Spinario fu portato nel 1798 a Parigi, per arricchire il Museo Universale sognato dal futuro imperatore. Per fortuna, grazie all’interessamento di Antonio Canova, nel 1815 il bronzo è ritornato a Roma.
Da quel momento farà parte integrante dello studio di qualsiasi aspirante artista, tanto che nel 1839 ne uscirà pure una versione ‘a raggi X‘.
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Non si tratta di un’immagine satirica ma di una tavola tratta da “<a href="https://collections.nlm.nih.gov/bookviewer?PID=nlm:nlmuid-0231056X3-mvpart" target="_blank" rel="noopener">Elementi di anatomia fisiologica applicata alle belle arti figurative</a>” di Francesco Bertinatti (anatomista) e Mecco Leone (artista), un genere a metà strada tra scienza e arte diffuso nella metà del XIX secolo. Dello Spinario hanno realizzato addirittura due vedute, in modo da mostrare al meglio ogni articolazione.
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Nel frattempo era diventato talmente comune da essere citato anche in tanti <a href="https://collections.vam.ac.uk/item/O127727/a-boy-extracting-a-thorn-oil-painting-barker-thomas/" target="_blank" rel="noopener">quadretti di genere</a>.
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Una delle ultime apparizioni del giovane cavaspino è di un insospettabile Gustav Klimt. Nella sua <a href="https://artsandculture.google.com/asset/allegorie-der-skulptur/8AFZnRMMxIPKHw?hl=it" target="_blank" rel="noopener">Allegoria della scultura</a> del 1889, la scultura è personificata da una figura femminile nuda con gioielli vagamente grecizzanti. Dietro di lei statue e rilievi classici in marmo, mentre accanto spicca il piccolo bronzo, visto di fronte. Un omaggio allo Spinario capitolino di grandissima raffinatezza.
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Sono pochissimi i casi in cui un personaggio del mondo antico riesce ad attraversare senza soluzione di continuità tutta la storia dell’arte. L’appartenenza a una civiltà pagana tendeva, infatti, a far scomparire questi soggetti nelle epoche in cui l’arte era più orientata verso i temi sacri, specialmente nel Medioevo. Abbiamo osservato questo fenomeno, tra i tanti, con le <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=1932" target="_blank" rel="noopener">Grazie</a>, la <a href="https://www.didatticarte.it/Blog/?p=3707" target="_blank" rel="noopener">Medusa</a>.
Ma lo Spinario fa eccezione grazie forse alla giovane età e alla semplicità dell’atto che sta compiendo, un gesto che si è ammantato di volta in volta di nuovi significati, anche opposti, passando dall’allegoria di stoicismo al simbolo di fragilità e inesperienza.
 
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